Hace unas semanas Martin Scorsese desató una polémica al decir que las películas de Marvel no son cine, sino más bien parques temáticos. Directores y actores de estas cintas, como James Gunn y Robert Downey Jr., respondieron al cineasta defediendo su trabajo, mientras que otros como Francis Ford Coppola y Ken Loach, apoyaron la posición de Scorsese.

Para calmar la discusión, el director de The Irishman ha escrito un ensayo explicando su opinión no solo repecto a las películas de Marvel, o películas de franquicia, sino respecto a la situación actual de la industria cinematográfica mundial, en la que el dominio financiero, que tienen los grandes estudios de Hollywood, afecta la visión del artista y limita el riesgo, que para él, es la clave de hacer cine.

Scorsese también se refiere al monopolio que las películas de franquicia tienen en las salas de cine en el mundo y cómo éste influye en la forma consumo que tienen los espectadores.

Aquí la traducción completa del ensayo, publicado en The New York Times:

Cuando estuve en Inglaterra a principios de octubre, concedí una entrevista a la revista Empire. Me hicieron una pregunta sobre las películas de Marvel. Yo respondí. Dije que intenté ver algunos de ellas y que no son para mí, que me parecen estar más cerca de los parques temáticos que de las películas como las he conocido y amado durante toda mi vida. Y que al final, no creo que sean cine.

Algunas personas parecen haber tomado la última parte de mi respuesta como insultante, o como evidencia de odio hacia Marvel de mi parte. Si alguien tiene la intención de interpretar mis palabras de esa manera, no hay nada que pueda hacer para interponerme.

Muchas películas de franquicias son realizadas por personas de considerable talento artístico. Puedes verlo en la pantalla. El hecho de que las películas en sí no me interesen es una cuestión de gusto y temperamento personal. Sé que si fuera más joven, si hubiera alcanzado la mayoría de edad en un momento posterior, podría haberme emocionado con estas películas y tal vez incluso hubiera querido hacer una. Pero crecí cuando lo hice y desarrollé un sentido de las películas, de lo que eran y de lo que podrían ser, que estaban tan lejos del universo Marvel como nosotros en la Tierra estamos del Alfa Centauri (sistema estelar).

Para mí, para los cineastas, llegué a amar y respetar, para mis amigos que comenzaron a hacer películas casi al mismo tiempo que yo, el cine se trataba de revelación: revelación estética, emocional y espiritual. Se trataba de personajes: la complejidad de las personas y su naturaleza contradictoria y a veces paradójica, la forma en que pueden lastimarse unos a otros y amarse y de repente encontrarse cara a cara con ellos mismos.

Se trataba de confrontar lo inesperado en la pantalla y en la vida que dramatizaba e interpretaba, y ampliar el sentido de lo que era posible en forma de arte.

Y esa fue la clave para nosotros: era una forma de arte. Hubo cierto debate al respecto en ese momento, por lo que defendimos el cine como un igual a la literatura, la música o el baile. Y llegamos a comprender que el arte se podía encontrar en muchos lugares diferentes y en la misma forma: en ‘The Steel Helmet’ de Sam Fuller y ‘Persona’ de Ingmar Bergman, en ‘It’s Always Fair Weather’ de Gene Kelly y Stanley Donen y en ‘Scorpio Rising de Kenneth Anger, en ‘Vivre Sa Vie’ de Jean-Luc Godard y ‘The Killers’ de Don Siegel.

O en las películas de Alfred Hitchcock, supongo que se podría decir que Hitchcock era su propia franquicia. O que él era nuestra franquicia. Cada nueva película de Hitchcock era un evento. Estar en una casa abarrotada en uno de los viejos teatros viendo ‘Rear Window’ fue una experiencia extraordinaria: fue un evento creado por la química entre el público y la película en sí, y era electrizante.

Y en cierto modo, ciertas películas de Hitchcock también eran como parques temáticos. Estoy pensando en ‘Strangers on a Train’, en el que el clímax tiene lugar en un carrusel en un parque de diversiones real, y ‘Psycho’, que vi en un espectáculo de medianoche en su función inaugural, una experiencia nunca olvidaré. La gente se sorprendió y emocionó, y no se decepcionaron.

Sesenta o 70 años después, todavía estamos viendo esas películas y maravillándonos con ellas. ¿Pero son las emociones y las conmociones a las que seguimos volviendo? No lo creo. Las piezas ambientadas en ‘North by Northwest’ son impresionantes, pero no serían más que una sucesión de composiciones y cortes dinámicos y elegantes, sin las emociones dolorosas en el centro de la historia o la absoluta pérdida del personaje de Cary Grant.

El clímax de ‘Strangers on a Train’ es una hazaña, pero es la interacción entre los dos personajes principales y la actuación profundamente inquietante de Robert Walker que resuena hasta ahora.

Algunos dicen que las cintas de Hitchcock tenían una similitud entre ellas, y tal vez eso es cierto: el propio Hitchcock se cuestionó al respecto. Pero la similitud con las películas de franquicias de hoy, otra vez es otra cosa. Muchos de los elementos que definen el cine como lo conozco están en las películas de Marvel. Lo que no hay es revelación, misterio o peligro emocional genuino. Nada está en riesgo. Las películas están hechas para satisfacer un conjunto específico de demandas, y están diseñadas como variaciones en un número finito de temas.

Hay secuelas de nombre, pero son remakes en espíritu, y todo en ellas está oficialmente calculado y aprobado porque realmente no puede ser de otra manera. Esa es la naturaleza de las franquicias de películas modernas: investigadas en el mercado, probadas por el público, examinadas, modificadas, revestidas y remodificadas hasta que estén listas para el consumo.

Otra forma de decirlo sería que son todo lo que las películas de Paul Thomas Anderson o Claire Denis o Spike Lee o Ari Aster o Kathryn Bigelow o Wes Anderson no son. Cuando veo una película de cualquiera de esos cineastas, sé veré algo absolutamente nuevo y seré llevado a áreas de experiencia inesperadas y tal vez incluso innombrables. Mi sentido de lo que es posible al contar historias con imágenes en movimiento y sonidos se ampliará.

Entonces, podrías preguntar, ¿cuál es mi problema? ¿por qué no simplemente dejar a las películas de superhéroes y otras películas de franquicia, ser? El motivo es simple. En muchos lugares de este país y del mundo, las películas de franquicia ahora son la elección principal si deseas ver algo en la pantalla grande. Es un momento peligroso en la exhibición de películas, y hay menos teatros independientes que nunca. La ecuación ha cambiado y el streaming se ha convertido en el principal sistema de entrega. Aún así, no conozco a un solo cineasta que no quiera diseñar películas para la pantalla grande, que se proyectarán ante el público en los cines.

Eso me incluye a mí y estoy hablando como alguien que acaba de completar una película para Netflix. Esto, y solo esto, nos permitió hacer de ‘El irlandés’ lo que necesitábamos, y por eso siempre estaré agradecido. Tenemos una ventana de exhibición, lo cual es genial. ¿Si me gustaría que la película se presente en pantallas más grandes durante períodos de tiempo más largos? Claro que sí. Pero no importa con quién hagas tu película, el hecho es que las pantallas de cine en la mayoría de los multiplex están llenas de películas de franquicias.

Y si me van a decir que es simplemente una cuestión de oferta y demanda y de darles a las personas lo que quieren, estaré en desacuerdo. Es un problema de el huevo y la gallina. Si a las personas se les da solo un tipo de cosas y vendes interminablemente solo un tipo de cosas, por supuesto que van a querer más de ese tipo de cosas.

Pero, podría argumentar, ¿no pueden simplemente irse a casa y ver cualquier otra cosa que quieran en Netflix, iTunes o Hulu? Claro, en cualquier lugar menos en la pantalla grande, donde el cineasta pretendía mostrar su película.

En los últimos 20 años, como todos sabemos, el negocio del cine ha cambiado en todos los frentes. Pero el cambio más siniestro ha ocurrido sigilosamente y al amparo de la noche: la eliminación gradual pero constante del riesgo. Muchas películas de hoy son productos perfectos fabricados para consumo inmediato. Muchas de ellas están bien hechas por equipos de personas con talento. De todos modos, carecen de algo esencial para el cine: la visión unificadora de un artista. Porque, por supuesto, el artista es el factor más arriesgado de todos.

Ciertamente no estoy insinuando que las películas deben ser una forma de arte subsidiada, o que alguna vez lo fueron. Cuando el sistema de estudio de Hollywood todavía estaba vivo y bien, la tensión entre los artistas y las personas que dirigían el negocio era constante e intensa, pero fue una tensión productiva que nos dio algunas de los mejores filmes jamás hechas, en palabras de Bob Dylan, las mejores eran “heroicos y visionarios”.

Hoy, esa tensión se ha ido, y hay algunos en el negocio con absoluta indiferencia a la cuestión misma del arte y una actitud hacia la historia del cine que es a la vez despectiva y propietaria, una combinación letal. La situación, lamentablemente, es que ahora tenemos dos campos separados: hay entretenimiento audiovisual en todo el mundo y hay cine. Todavía se superponen de vez en cuando, pero eso se está volviendo cada vez más raro. Y me temo que el dominio financiero de uno se está utilizando para marginar e incluso menospreciar la existencia del otro.

Para cualquiera que sueñe con hacer películas o que recién esté comenzando, la situación en este momento es brutal e inhóspita para el arte. Y el acto de simplemente escribir esas palabras me llena de terrible tristeza.

Podrás juzgar si la nueva película de Scorsese tiene ese riesgo y su visión como artista, cuando El irlandés se estrene en Netflix el 27 de noviembre.